Cultur'cast by T² & Ripley: Cinéma

Miyazaki et les femmes

Wed, 28 May 2008 12:22:05 GMT

En neuf films, le Nippon Hayao Miyazaki a su s'imposer comme une figure majeure du cinéma d'animation. Entre voyages initiatiques, contes et légendes peuplés d'animaux, princesses et sortilèges, il insuffle à chacune de ses œuvres une magie et une poésie incroyables et nous transporte dans son univers, dont nous, pauvres occidentaux ne détenons pas toutes les clés. Fidèle à la tradition japonaise animiste, le cinéaste éprouve un profond respect envers la nature et les animaux, thèmes omniprésents dans sa filmographie. Mis à part Le Château de Cagliostro et Porco Rosso, dont les héros principaux sont des personnages masculins, Miyazaki centre constamment ses films sur des personnages féminins, représentant tous les âges :

- la fillette :

o Mei et Satsuki (Mon voisin Totoro)

o Chihiro (Le Voyage de Chihiro)

o Kiki (Kiki la petite sorcière)

- l'adolescente :

o Sheeta (Le Château dans le ciel)

o Fio (Porco Rosso)

o San (Princesse Mononoké)

o Sophie (Le Château ambulant)

o Nausicaä (Nausicaä de la vallée du vent)

- la femme :

o Lady Eboshi (Princesse Mononoké)

o Kushana (Nausicaä de la vallée du vent)

o Gina (Porco Rosso)

o la mère (Mon voisin Totoro)

o Osono la boulangère (Kiki la petite sorcière)

- la grand-mère :

o la voisine (Mon voisin Totoro)

o Sophie (Le Château ambulant)

o Dora (Le Château dans le ciel)

o Yubâba et son double Zeniba (Le Voyage de Chihiro)

o O-baba (Nausicaä de la vallée du vent)

Pourquoi une telle fascination pour les femmes, et tout particulièrement les jeunes filles ?

La jeunesse, espoir de l'humanité

Les véritables héroïnes de Miyazaki sont incarnées par des enfants ou des jeunes filles, les femmes adultes restant des personnages secondaires, présentes pour les aider ou les contrer. Traumatisé par la destruction grandissante de la nature par l'homme, Miyazaki nourrit un réel espoir dans la jeunesse et tente de lui transmettre des valeurs de respect devant la supériorité de la nature. Les enfants, pas encore pollués par la civilisation actuelle, restent très proches de la nature, s'émerveillant de sa beauté et de ses ressources. Dotés d'une innocence face au monde qui les entoure, ils prendront rapidement conscience de la nécessité de préserver la Terre, voire alerteront les adultes à ce sujet. Mei, l'un des personnages centraux de Mon voisin Totoro, reste l'une des illustrations les plus parlantes : très jeune, elle passe son temps à courir dans les prés et à jouer avec les animaux, en parfaite harmonie avec la nature. Lorsqu'il développe ses scénarios, le cinéaste imagine spontanément des enfants pour ses personnages et s'inspire beaucoup de fillettes de son entourage (la fille d'un de ses amis pour Chihiro notamment). Cela permet au public, largement enfantin, de mieux s'identifier aux personnages et à l'auteur de proposer des héroïnes à la psychologie fouillée.

Enfants matures, adultes irresponsables

Confrontées à l'absence plus ou moins temporaire de leurs parents, les jeunes filles prennent des responsabilités d'adultes, gagnant très tôt une certaine maturité. Chihiro, flairant le danger, refuse de goûter la nourriture du parc qu'elle et ses parents découvrent. Elle tente de les raisonner devant leur gloutonnerie abusive et, sourds à ses avertissements, se transforment en cochons. Les Japonais ne respectent pas cet animal qui possède tous les défauts de la race humaine : l'égoïsme, l'irresponsabilité et la jouissance exagérée de sa liberté. Par la suite, la petite Chihiro accèdera à un monde fantasmagorique auquel elle sera contrainte de s'adapter puis d'y échapper afin de délivrer ses parents du maléfice. Dans Mon Voisin Totoro, Satsuki s'occupe de sa petite sœur Mei, remplaçant une mère absente, suite à une convalescence prolongée, et un père légèrement dépassé par les événements. Sophie (Le Château ambulant), dont la mère se préoccupe plus de son apparence physique que de sa fille, est victime d'un mauvais sort qui la métamorphose en femme de 90 ans. La famille de Kiki, sorcières de mères en filles, l'envoie seule dans une ville inconnue pour faire l'apprentissage de la sorcellerie. San, élevée par une louve, défend bec et ongles l'âme de la forêt contre la folie humaine, personnifiée par Lady Eboshi. Au décès de son père, la jeune Nausicaä prend la tête du royaume de la Vallée du vent. Plus tout à fait des enfants, mais pas encore des adultes, elles se choisissent une figure de sagesse, qui les rassure et les soulage de leur fardeau. Le personnage de la grand-mère joue un rôle primordial dans les films de Miyazaki. Ainsi, les fillettes de Mon voisin Totoro, privées de leur mère momentanément, effectuent un transfert sur leur voisine, une dame âgée, qu'elles appellent immédiatement "grand-mère" et qui se consacre à elles. Même Yubâba, qui apparaît comme un personnage tyrannique et avide de pouvoir, vient en aide à Chihiro par l'intermédiaire de son double sympathique, Zeniba.

Le passage à l'âge adulte

Toutes les héroïnes, excepté Mei qui reste dans le monde de l'enfance, transitent vers l'âge adulte, avec les doutes et les interrogations que ce passage peut susciter. Miyazaki le symbolise notamment par les coupes de cheveux de ses héroïnes : l'adorable Mei arbore des couettes, en revanche sa grande sœur Satsuki a déjà les cheveux courts ; Kiki les porte courts également mais toujours entourés d'un ruban rouge, signe qu'elle est en pleine transition ; Nausicaä et San ont déjà les cheveux courts et des responsabilités importantes pour leur âge, défendre leur territoire dans un sentiment quasi animal ; seule Chihiro conserve sa queue de cheval mais son voyage initiatique est emprunt au rêve et à l'imaginaire, en référence forte à Alice aux pays des merveilles. En revanche, trois personnages matérialisent l'action de se couper les cheveux, instauré comme un rituel de passage vers l'âge adulte : Sheeta (Le Château dans le ciel), Sophie (Le Château ambulant) et une première, ce n'est pas une fille mais un garçon, Ashitaka, dans Princesse Mononoké. Aucun d'eux ne possède de réels repères parentaux – Sheeta est orpheline, Sophie a une mère démissionnaire et Ashitaka est banni de son village – provoquant ainsi une nécessité de s'accomplir par eux-mêmes. Par ce geste symbolique fort, ils coupent le cordon et deviennent ainsi des adultes à part entière.

Souvent privées de leurs parents, donc de leurs référents dans leur construction psychologique, les héroïnes de Miyazaki entretiennent des relations privilégiées avec les autres personnages féminins adultes. San possède un lien fusionnel avec sa mère louve, délaissant le monde des humains qui la révulse, devenant ainsi une enfant-loup. Elle mène une lutte sans merci contre Lady Eboshi qui veut détruire l'âme de la forêt, dans un conflit presque œdipien, nécessaire à la construction de la personnalité. Kiki, quant à elle, retrouve dans Osono la boulangère – elle-même enceinte – la mère qu'elle a quittée pour poursuivre ses études de magie. Victime de la jalousie de la sorcière des Landes, Sophie est transformée en vieillarde, ce qui lui apportera la sagesse nécessaire à son évolution personnelle. Enfant prisonnière d'un corps d'adulte, elle représente le mieux l'état de l'adolescence, avec cette mutation à la fois physique et mentale. Elle jouera alors le rôle de référent du petit Marko, puis de la sorcière des Landes métamorphosée en vieillarde inoffensive, et veillera sur eux comme une mère sur ses enfants.

Trois types particuliers d'héroïnes

Nous pouvons définir trois types d'héroïnes chez Miyazaki, correspondant à l'évolution physique et psychique de l'enfance à l'âge adulte, en passant par les troubles de l'adolescence :

- les enfants "innocentes" : Mei, Satsuki et Chihiro

- les jeunes filles perdues face à leur destin : Kiki, Sheeta et Sophie

- les guerrières affirmées qui affrontent le leur : Nausicaä et Mononoké

Dans Mon voisin Totoro et Le Voyage de Chihiro, les héroïnes sont des fillettes, qui restent ancrées dans le monde du rêve et de l'imaginaire, très proche de l'univers de Lewis Carroll. Comme dans Alice au pays des merveilles, la jeune Mei suit le petit Totoro blanc dans le tunnel et découvre les esprits de la forêt que seuls les enfants peuvent voir ; le chat-bus rappelle également l'énigmatique Chester. Chihiro se trouve également propulsée dans un monde fantastique, empli de créatures magiques, dont elle s'échappe comme d'un rêve. Toutes trois privées de leurs parents pendant un laps de temps, elles se réfugient dans un univers parallèle, pour mieux supporter la difficulté de leur condition actuelle. Miyazaki nous livre ici ses deux films les plus optimistes, offrant à travers ces personnages une pureté et une innocence presque féeriques. Bien qu'ayant expérimenté le monde des adultes, Satsuki et Chihiro le refusent et se maintiennent dans celui plus rassurant de l'enfance. La première parvient à voir les Totoros, preuve qu'elle a conservé son âme d'enfant ; la seconde, après avoir été rebaptisée Sen par Yubâba (pratique également usitée chez les geishas lorsqu'elles perdent leur statut d'apprenties) retrouve son nom originel et s'enfuit.

Kiki la petite sorcière, Le Château dans le ciel et Le Château ambulant nous proposent un deuxième type d'héroïnes, les jeunes filles perdues face à leur destin. Autant Miyazaki traite les aventures de Kiki avec une certaine légèreté, il offre un regard plus sombre sur les deux autres. Kiki est contrainte de quitter ses parents pour faire l'apprentissage de la sorcellerie, mais surtout de la vie. Débarquée dans une ville où elle se sent étrangère, elle cherche à tout prix à s'intégrer et entrer dans le moule, perdant ainsi son seul pouvoir magique, voler. Elle devra restaurer sa confiance en elle pour recouvrer les pouvoirs qui font sa singularité. En ce qui concerne la princesse Sheeta et Sophie, la tâche se veut plus difficile car elles ne comprennent pas immédiatement les enjeux de leur destinée. Sheeta, détentrice d'un mystérieux médaillon qui suscite bien des convoitises, est retenue prisonnière dans un dirigeable. Après son évasion, elle se découvrira seule descendante de la famille royale et héritière du trône de Laputa, une île flottante légendaire secrètement cachée dans les nuages. D'abord timide et désorientée, elle se révèlera à la fin du film pour s'opposer à la folie de Muska, son frère, qui veut prendre contrôle de Laputa afin de dominer le monde. Sophie, victime d'un affreux sortilège et amoureuse du magicien Hauru, cherche sa propre identité au sein de ce monde. Dans sa quête, elle tentera de sauver l'homme qu'elle aime. Kiki, Sheeta et Sophie acceptent finalement leur destinée, après avoir traversé des épreuves initiatiques.

Enfin, Nausicaä de la vallée du vent et Princesse Mononoké nous présentent les deux guerrières, héroïnes les plus complexes et abouties de Miyazaki. Elles appartiennent déjà au monde des adultes mais donnent l'impression d'avoir grandi trop vite. Toutes deux princesses, elles assument des fonctions d'adultes avant l'heure. Nausicaä, après la mort de son père, règne sur la Vallée du vent. À force de guerres, les hommes ont détruit la nature, imposant le développement d'insectes géants, mutants, menaçant les survivants. La forêt toxique, le Fukaï, s'étend dangereusement, privant les hommes d'oxygène et de vie. La princesse cherche à préserver son peuple tout en essayant de comprendre la nature et les animaux. Le personnage de Nausicaä trouve ses inspirations dans la mythologie grecque et dans un conte japonais du XII^ème siècle, La Princesse qui aimait les insectes. Dans L'Odyssée d'Homère, Nausicaä, princesse phéocienne, portée par l'apparition en rêve d'Athéna, secourt Ulysse après son naufrage, seule à ne pas être effrayée par son apparence. Dans la légende japonaise, la princesse refuse de se conformer aux critères de beauté de l'époque, croyant en la beauté intérieure. Alors que les autres jeunes filles s'intéressent aux papillons, elle est fascinée par les chenilles et les chrysalides. La Nausicaä de Miyazaki s'imprègne de ces deux légendes, lui apportant une once de divinité mêlée à une part d'humanité. C'est un personnage fort, qui se bat pour ses convictions, n'hésitant ni à se sacrifier ni à décimer une partie de l'armée qui a envahi la Vallée du vent. Partagée entre son respect de toute forme de vie et son instinct de guerrière, elle trouvera la force de guider son peuple, qui voit en elle l'Élue, vers la paix universelle. Le combat de San n'est pas totalement différent. Élevée par une louve, elle rejette toute forme d'humanité, responsable de la destruction de la forêt. Tout comme Nausicaä avec Kushana, à la tête de l'armée tolmèque, San affronte Lady Eboshi. Leurs deux ennemies possèdent la même soif de pouvoir et de domination sur la nature. En choisissant des femmes pour interpréter ces deux guerrières ancestrales, Miyazaki déjoue le rôle qu'on leur prête traditionnellement : douceur, tendresse et pacifisme. En leur associant des fonctions contraires à notre perception, il leur octroie une force incroyable. Il est nécessaire de s'attarder quelques instants sur l'étymologie de Mononoké. En japonais, mono désigne tout ce qui a une âme et dans la religion shintoïste, toute chose possède une âme. Ke signifie l'énergie vitale et mono no ke peut se traduire comme "l'énergie vitale de toute chose". Esprit bon ou mauvais, le mono no ke se personnifie à travers le dieu-cerf, qui représente l'âme de la forêt, que San et Ashitaka tenteront de préserver quoiqu'il advienne.

La Voie du Yin et du Yang

Selon la pensée taoïste, la Voie du Yin et du Yang (ommyôdô) est tenue pour loi essentielle de l'univers. Le Yin représente le "souffle" féminin, obscur, passif et le Yang, le "souffle" masculin, lumineux, actif. C'est l'association de ces deux "souffles" opposés et complémentaires qui perpétue la vie cosmique. Le couple du Yin et du Yang se révèle comme étant l'"Ultime Suprême" ou encore le Tao, la "Voie". On observe parfaitement cette alchimie entre les personnages féminins et masculins dans le cinéma de Miyazaki. Les seconds apportent une aide souvent salvatrice aux héroïnes, qui ne se réalisent pleinement qu'à leur contact. Dans leur quête, toutes les héroïnes reçoivent l'aide d'un adjuvant, très caractéristique des contes occidentaux, qui prend les traits d'un personnage masculin : Yupa, le mentor de Nausicaä et Asbel, le jeune garçon qu'elle sauve (Nausicaä de la Vallée du vent) ; Pazu qui apprend à Sheeta l'existence de Laputa (Le Château dans le ciel) ; Kanta prête son parapluie à Satsuki (Mon voisin Totoro) ; Tombo détourne l'attention des policiers et gagne l'amitié de Kiki (Kiki la petite sorcière) ; Haku prend Chihiro sous son aile (Le Voyage de Chihiro) ; Hauru cherche à protéger Sophie (Le Château ambulant). Seuls deux films font exception, Porco Rosso et Princesse Mononoké. Dans le premier, c'est la jeune Fio qui redonne goût à la vie à Porco et dans le second, Ashitaka et San sont étroitement liés et s'aident mutuellement. San lui fait prendre conscience de la folie destructrice des hommes et Ashitaka lui permet d'ouvrir son cœur à la race humaine. Ils ne peuvent vivre l'un sans l'autre et ne peuvent vivre ensemble, d'où le terrible dilemme du film, peut-être le plus pessimiste du cinéaste.

La vision de la femme : Miyazaki vs Disney

Miyazaki bouscule nos codes traditionnels en matière de dessins animés, notre principale référence étant les films de Walt Disney, eux-mêmes adaptés de contes de fées occidentaux. Bien que surnommé le Disney japonais, Miyazaki offre une véritable divergence de préoccupations. Ses héroïnes ne cherchent pas à devenir de parfaites épouses comme Cendrillon et ses consœurs et n'attendent pas naïvement d'être enlevées par le prince charmant. Pour les héroïnes de Miyazaki, la recherche d'un mari ne constitue pas une fin en soi. Cela ne les empêche pas pour autant de vivre des histoires d'amour fortes, les plus "assumées" par le réalisateur étant celles d'Ashitaka et San dans Princesse Mononoké et de Sophie et Hauru dans Le Château ambulant. Ce ne sont pas des femmes soumises, telle Blanche-Neige accomplissant nombre de travaux ménagers chez les sept nains, mais totalement libres, en quête de spiritualité et d'élévation psychique. Là où Walt Disney imposait un machisme limpide dans la description de ses héroïnes – exceptées Mulan et Pocahontas, d'influence orientale – Miyazaki affiche un certain féminisme dans la création de ses personnages, apportant un regard neuf sur la place des femmes dans l'animation.

Ripley

Days of heaven de Terrence Malick (1973)

Wed, 25 Jul 2007 21:16:59 GMT

Le cinéma est devenu un art mature le jour où il a réussi à raconter une histoire simple, à nous permettre de réfléchir sur notre vie et à se critiquer dans une même œuvre.

Terrence Malick est déjà un grand cinéaste américain depuis son premier long métrage, Badlands, lorsqu'il présente Days of heaven à Cannes en 1979, qui lui vaudra le prix de la mise en scène.

Ce film, inspiré directement des Raisins de la colère passe l’épreuve de la maturité du cinéma américain.

Il nous raconte l’histoire simple d’un couple à 3 où se mêlent amour et argent.

Il nous montre aussi à quelle extrémité peuvent en arriver certains américains (vendre celle qu’on aime) pour vivre décemment et quel est ce phénomène que l’on découvre en France : les travailleurs pauvres. Pour Malick, le western ne représente pas la genèse de l’Amérique. Ce sont les hommes qui travaillent chaque jour qui ont construit son beau pays. Ceux qui tirent sur les hommes comme sur des lapins ne sont pas des héros.

Par là, Malick critique le cinéma hollywoodien parce qu'il ne montre pas la vie réelle et rend hommage au magnifique Raisins de la colère de John Ford qui avait eu cette ambition avant lui.

T²

Badlands de Terrence Malick (1973)

Wed, 25 Jul 2007 07:50:15 GMT

Martin Sheen et Sissi Spacek

Les américains ont ce rapport à la nature loin de la médiocrité de nos aventuriers de Koh-Lanta… ils ont conservé un je ne sais quoi des indiens, a natural way of life, une liberté perdue par les européens.

Terrence Malick est le cinéaste qui sait le mieux représenter cette vie.

Dans Badlands (La Ballade sauvage en VF), il raconte sa version d’un fait divers du Middle West américain : la fuite de deux meurtriers amoureux dans les prairies du Dakota et du Montana. Pour Malick, James Dean, le symbole d’une Amérique qui réussit, n’est qu’un cow-boy, beau, malin, mais rustre, machiste et dangereux s’il se sent en danger.

On peut admirer comment en quelques jours, le héros monte un campement de scout au milieu d’une forêt. Ou comment le héros choisit de rouler à travers la prairie pour éviter la police, il y trouve de l’essence, des vaches ou des poulets et du maïs pour se nourrir. Le rêve de tout Robinson Crusoë !

On peut aussi détester qu’il tue tous ceux qu’il considère comme des dangers potentiels, sa colère dès que l’ordre immuable des choses se bouleverse (quand sa femme lui dit « non ») et sa femme qui n’est qu’une potiche.

Evidemment, le parallèle avec une actualité moyen-orientale est assez facile : il attaque dès qu’il se sent en danger et ne respecte pas celui qu'il croit différemment de lui, même si aujourd’hui, il a perdu de sa beauté éclatante et de ses ambitions humanistes.

Attention, Badlands, c’est d’abord un ancêtre de Thelma et Louise installé dans les années 60 : un immense road-movie d’une époque courtoise et machiste avec ses meurtres, mais aussi son respect des Hommes. On lutte pour survivre, mais on reste civilisés !

T²

Origine

Tue, 24 Jul 2007 07:39:19 GMT

Dans la veine des dessins animés du studio Ghibli, un manga sorti en DVD, bien mis en avant par les distributeurs, fait pâle figure : Origine.

Origine nous plonge dans un monde futuriste où la folie industrielle des hommes a détruit notre planète. La forêt a repris sa place et emprisonne l’eau indispensable. Evidemment, des méchants veulent combattre la forêt alors que les gentils veulent maintenir un équilibre avec la forêt.

Malgré un scénario pâlot face aux, maintenant nombreux, autres mangas du même thème, la bienveillance du héros et la qualité des dessins nous permettent de supporter les 90 minutes de visionnage d’une œuvre pas vraiment indispensable.

Juste un dernier message : S’il-vous-plaît, amis japonais, arrêtez cette simplification de l’histoire entre les gentils écolos et les méchants industrieux… Car la simplification gentil-méchant n’a jamais apporté de solutions viables. Arrêtez plutôt la chasse à la baleine !

T²

Le pourquoi du comment

Sat, 16 Jun 2007 14:02:16 GMT

Festival de Cannes terminé, deux films « français » sortis en avant-première ont été les seuls (et pour cause, sic) à retenir mon attention.

Ces deux films posent la seule vraie question qui provoque le cinéma depuis qu’il est devenu un média et un divertissement sous ses différentes formes : en salles, dans une boîte chez soi, sur un mur en plein air, payant ou gratuit. (Je ne crois pas au cloisonnement du « grand » cinéma d’un côté et de la petite télévision de l’autre comme Godard. D’ailleurs les deux se recoupent encore et encore… Mais plutôt qu’il faut dépoussiérer et sortir le cinéma des studios comme Truffaut.)

Là n’est pas mon sujet. La seule distinction que je connaisse, c’est le pourquoi du comment ?

Souvent un film est réussi quand le réalisateur a su simplement pourquoi il a fait son film ? Un film est sans intérêt quand le réalisateur s’est avant tout demandé comment ? Quand il a mis les effets spéciaux avant le sujet à traiter.

Un exemple simple : on dit que l’adaptation est souvent plus mauvaise que l’original. Quand il a écrit son livre, l’auteur s’est demandé pourquoi il écrivait, pas comment (la littérature permet moins de technique sur ce point, même si…). L’adaptation devient mauvaise quand le réalisateur se demande comment il va adapter avant le pourquoi ?

Quand Julian Schnabel adapte « Le scaphandre et le papillon », il prend l’œuvre de Jean-Dominique Bauby et la met au cinéma avec talent mais sans aucun but. Dans toutes ses interviews, il parle plus d’avoir tourné avec des français ou de la façon de rendre compréhensible l’emprisonnementdu héros, jamais de pourquoi il a adapté ? Résultat un bon divertissement (façon d’écrire évidemment !), mais on en ressort aussi vide que lorsqu’on y est entré !

Quand Christophe Honoré veut nous faire partager sa science des relations. Il nous montre la multiplicité des possibles avec 5 ou 6 personnages : soyons ouverts les uns envers les autres et découvrons-nous. Ensuite, il choisit la forme qu’il connaît le mieux, le cinéma de la nouvelle vague et la musique, mais peu importe finalement, il a un autre but à partager !

Plus que la distinction du fond et de la forme, le pourquoi du comment est une vision de la vie différente. Pourquoi ? Posons-nous la question face à un problème et nous trouverons toujours comment.

T²

Mon cinéma adolescent by T²

Fri, 18 May 2007 18:38:04 GMT

Le thème principal du cinéma américain depuis 20 ans, c’est l’adolescence. Peut-être parce que la culture dans ce pays est encore une adolescente aux superpouvoirs… Peut-être aussi pour conquérir le plus grand nombre de consommateurs, car la ménagère de moins de 50 ans du cinéma a entre 15 et 25 ans…

Les super héros en sont un des meilleurs exemples. On peut citer entre autres Spiderman (les 3 opus de la série) ou Indiana Jones, voire le Parrain. Mais ici ce qui m’intéresse, ce sont deux trilogies qui sont conformes sur le récit (les gentils contre les méchants) et sur la forme (la science-fiction) et pourtant traitent de ce passage à l’adolescence avec deux visions différentes.

Rappelez-vous avant de commencer des paroles de Georges Lucas :

« L'art n'est pas d'arriver avec des idées neuves mais d'interpréter ces idées qui nous entourent depuis toujours.»

Bref, le sujet principal de « Star wars les deux trilogies » (ou le sextet) : des ados qui se cherchent (pléonasme ?) pour des ados qui se cherchent (re-pléonasme ?). Alors comparons ce qui a changé entre ces deux générations d’adolescents :

Le héros

Luke est candide, il recherche une forme de perfection humaine, il a soif de tout apprendre pour devenir un homme. Luke n’a qu’un seul but : le bonheur politique de l’humanité, il se lance dans une quête qui fera triompher son idée du Bien commun. C’est par la politique que le bonheur de tous arrivera. Mais s’il n’y parvient pas, le monde deviendra malheureux. Sa conception du Bien est la seule issue pour tout l’univers.

Anakin, même s’il débute sa formation beaucoup plus jeune, est un jeune homme beaucoup plus torturé. Sa principale occupation, c’est lui, trouver son bonheur : avancer dans sa « fonction », sauver sa famille. Il se méfie des politiciens tous corrompus mis à part ceux qu’il connaît, différents des autres.

Ses compagnons d’arme

Luke tire son courage de ses amis. Il fait tout pour les aider. Au-delà de sa lutte pour un monde plus juste, il ne veut rien d’autre que rester avec ses amis car c’est en eux qu’il tire sa force. Il ne les a pas choisis, ce sont les circonstances qui lui ont fait rencontrer des personnages qui poursuivent la même lutte que lui.

Anakin est beaucoup plus solitaire, il sélectionne ceux qui l’entourent. Il accepte d’aider des inconnus (avec l’assentiment de sa mère), mais ce sera pour en retirer un bénéfice personnel car il sait qu’il sera récompensé de sa loyauté. Il prend de haut le seul ami qu’il aurait pu avoir (Jar-Jar) au lieu de l’aider à devenir plus intelligent. Au lieu de cela, il n’accepte l’amitié que de personnes de la même espèce que lui et de personnes socialement plus élevées (Amidala ou Obi-Wan).

La famille

Luke n’aurait pas abandonné sa famille de son plein gré, son départ n’est que le résultat d’un enchaînement d’événements. Il donne toujours l’impression d’être un héros qui ne laisse personne derrière lui et surtout pas ceux qu’il aime. Et c’est la quête du père qui l’orientera. Il sera à la recherche de son passé.

Anakin ne s’embarrasse pas de sa mère. Même s’il revient la chercher (trop tard !), la mort de sa mère est causée par les ennemis, il n’a commis aucune faute comme toujours. Enfin, il méprise complètement ses demi-frères et sœurs qui auraient pu devenir une nouvelle famille (ils élèveront son fils !)

L’apprentissage

Laissons de côté le temps d’apprentissage jugé « trop court » d’Anakin (qui débute à 8 ans) pour celui jugé « suffisant » de Luke (qui débute à 18 ans) qui nous permettrait de comprendre que la génération 1986 apprend plus vite la génération 2000 ! Comparons plutôt le comportement de nos deux adolescents :

Luke n’a pas de dessein, il prend ce qu’on lui donne et fait ce qu’il veut quand on ne lui donne rien. Il se sent beaucoup plus libre et une expérience vaut mieux que toutes les théories du monde.

Anakin comprend qu’il doit apprendre pour devenir un Jedi, il ne « sèche pas les cours », il doit apprendre à le devenir, mais il veut en connaître l’issue. On lui a fixé un objectif, défini un timing, il a accepté les règles du jeu, mais sa colère est grande quand il estime qu’on ne lui fait pas confiance ou qu’on ne reconnaît pas sa juste valeur.

Les femmes

Pour Luke, si les femmes viennent, c’est grâce à son charme, elles ne son absolument pas un but en soi et n’ont pas plus d’intérêt qu’un homme.

Pour Anakin, l’élue devient le but ultime de son existence, il abandonne tout pour elle. C’est à lui de la séduire.

Contexte

Aux USA dans les années 80 (l’époque Reagan), le rêve américain est très présent et il faut que chaque pays puisse parvenir à ce rêve. Chacun peut encore influencer le monde et son destin. Il faut simplement faire les bons choix. L’Autre est ce qui vaut la peine de vivre, c’est dans la communauté que le bonheur se trouve, le Bien se fait avec l’Autre (parfois en le forçant !).

Les années 2000 sont beaucoup plus noires. La crise fait rage, le paternalisme a trahi ses enfants. Le rêve américain est mort. L’individualisme fait rage et la famille, en tant qu’entité enfermante, est redevenue une valeur face aux risques de la vie. Pour s’en sortir, il faut être un bon garçon dont sa maman sera fière, sinon, attention, tu n’auras pas ta retraite…

Même si Luke, au premier abord, semble le plus « gentil garçon », il choisira d’ailleurs la bonne voie. Trois de ses positions peuvent nous interpeler :

1. Sa vision des femmes : très machiste, il n’a aucune sorte de désir ou n’exprime aucun sentiment.
2. Son rapport à l’ennemi : il n’exclut pas de tuer pour atteindre son objectif
3. L’objectif final fixé par lui ou par sa conviction : pas une seconde, il ne doute qu’il est l’axe du Bien (comme George W. ?)

Finalement, c’est lui qui gagne, mais qui dit qu’il ne devient pas un dictateur ?

Pour moi, la première série (celle de mon adolescence) a un goût particulier, j’y retrouve tout ce que j’ai cherché : la fuite du foyer familial, la recherche de l’amitié : du partage des difficultés et un sens commun à la vie. Star Wars est lié aux soirées pâte au thon (mais ceci est une nouvelle histoire !) et ce rejet de la ressemblance, ce sentiment que nous allions tous devenir différents (ensemble ?). Pendant quelques années, je me suis senti différent et assumé, ce que le monde ne permet plus aux jeunes d’aujourd’hui.

Eye of the Tiger

Sat, 06 Jan 2007 17:10:24 GMT

Clovis Cornillac, à l'actualité débordante, entre la sortie en DVD des Brigades du Tigre et celles en salles du Serpent le 10 janvier et de Scorpion le 21 février prochains, s'est posé le temps d'une interview. Rencontre avec un acteur devenu incontournable en l'espace de quelques films.

Comment est née votre passion pour le cinéma ? Plus jeune ne vouliez-vous pas devenir boxeur ?
Plus un fantasme qu’une véritable volonté… comme des filles pour la danse ou des garçons pour le football… moi c’était la boxe et je comptais devenir champion du monde. J’ai débuté très jeune, ma vraie envie a toujours été de jouer mais je ne me l’avouais pas totalement. Et j’ai eu de la chance depuis 23 ans d’avoir du travail tout le temps. Vivre de sa passion, c’est juste génial !

Vous êtes considéré comme la nouvelle coqueluche du cinéma français, comment prenez-vous cela ?
Je suis ravi car pour moi ça veut dire encore plus de travail, encore plus de choix, cependant c’est dangereux. Nous vivons dans une société de consommation, or je ne veux pas être considéré comme un produit jetable. Je ne me sens pas à la mode, je préfère pouvoir vieillir avec le public.

Lorsque vous avez débuté, vous imaginiez être en haut de l'affiche ?
Je suis né dans ce métier, je n’avais donc pas la naïveté du débutant et j'en ai découvert l’injustice. Je ne pensais pas devenir une vedette. Ceci dit, j’étais assez "petit con" quand même… pour être très honnête, au début si… lors du casting d’Hors-la-loi… mais cela n’a pas duré longtemps. Ce n’est pas un métier vedette, c’est un statut, un peu comme intermittent...

Comment avez-vous abordé votre personnage des Brigades du tigre ? Vous êtes-vous inspiré de Jean-Claude Bouillon, votre prédécesseur ?
L’imagination est mon principal moteur. Plus jeune j’ai joué au théâtre l’adaptation du film Made in Britain avec Tim Roth et j’ai toujours refusé de le voir avant. Je n’ai pas envie de m’embarrasser d’une image, j’ai envie d’en créer une. Je préfère donner mon propre point de vue et ne pas me comparer ou servir de comparaison.

Vous avez malgré tout un petit côté Eliot Ness…
J’ai appris que la série des Brigades devait concurrencer Les Incorruptibles à la télévision. J’adore le côté héroïque de Valentin, son attitude est noble et sans cynisme. C’est un héros très littéraire finalement.

Est-ce ainsi que vous choisissez vos personnages ? Vous semblez passer de l’un à l’autre avec une facilité déconcertante.
J’adore interpréter des personnages différents. Je suis flatté qu’on puisse être impressionné par mon travail. Comme c’est ma passion, c’est naturel. C’est comme demander à un enfant chinois comment il fait pour parler cette langue complexe. J’ai envie d’aller partout. Je préfère éviter de me cantonner à un seul genre. Mais encore une fois, je n’ai pas les clés en main. C’est pourquoi j’essaie de varier les plaisirs et je prends mes décisions en fonction des rôles qu’on me propose.

Pensez-vous que le cinéma indépendant est en danger en France ?
Il l’a toujours été. Le cinéma est une microsociété qui n'est que le reflet de notre société. Depuis le début, il a permis à certains de faire de l’art, comme Prévert, Kubrick, de réfléchir sur le monde mais cela reste une industrie tenue par des industriels. Ceci dit, le cinéma populaire apporte aussi une réflexion, La Grande vadrouille en est l'exemple probant.

Comment jugez-vous les précédentes adaptations de séries comme Vidocq, Belphégor, Arsène Lupin ?
En tant que spectateur elles m’ont déçu. L’idée me séduisait pourtant en raison de leurs thèmes forts. Le problème, c'est qu'on ajoute toujours des effets à la Matrix. Pourquoi ne fait-on pas confiance à l’histoire en elle-même ?

Et en ce qui concerne votre rôle du célèbre Gaulois dans Astérix aux Jeux Olympiques ?
Interpréter Astérix m'amuse. Pour se lancer sur un film ou sur un rôle, le tout c’est d’y croire soi-même. J’étais sceptique et puis pourquoi pas ? Aucun rôle n'appartient à un acteur et heureusement, sinon on ne jouerait plus Hamlet aujourd'hui !

Vous allez prochainement, dans Scorpion, monter sur le ring pour affronter un champion du monde de boxe thaï ?
Je vais revivre mon fantasme de gosse, et de toutes façons c’est maintenant ou jamais !

Propos recueillis par Ripley

Comme par magie

Wed, 15 Nov 2006 07:47:55 GMT

Mercredi soir dernier avait lieu l'avant-première du nouveau film de Christopher Nolan, Le Prestige, sur les Champs-Elysées. Au programme, tapis rouge, décor "magique", macarons au chocolat Fauchon et spectacle de magie en introduction. Et en prime, le réalisateur et deux des acteurs, Sir Michael Caine et le délicieux Hugh Jackman - qui nous fait le plaisir de s'exprimer en français, font le déplacement pour présenter le film. Warner sait définitivement accueillir les chanceux spectateurs les imiscant avant l'heure au coeur de l'action.

Le réalisateur du cultissime Memento nous offre un moment délectable en compagnie d'acteurs au mieux de leur forme : Hugh Jackman, Christian Bale, Scarlett Johansson, Michael Caine, David Bowie et Andy Serkis. Le Prestige repose essentiellement sur le jeu des acteurs et sur une mise en scène brillamment maîtrisée. Il devient difficle de parler du film sans avoir peur de trop en révéler... disons seulement que l'action se déroule au début du siècle dernier et qu'une rivalité grandissante oppose deux grands illusionnistes. Pour le reste, c'est comme un tour de magie, ça ne se dévoile pas sinon il perd son caractère magique. Le fameux "prestige" représente le troisième acte d'un tour de magie : on ne surprend pas le spectateur en faisant disparaître un objet, on le bluffe en le faisant apparaître de nouveau. Et c'est ainsi que le film fonctionne, ce terme résumant parfaitement l'essence du film. Mystère, rivalité, trahison, coups de théâtre... il s'en passe en 2h et, malgré une quinzaine de minutes superflues, on savoure le plaisir complètement immergé dans l'ambiance. Saurez-vous découvrir le personnage le plus manipulateur ?

Ripley

Dans Paris

Mon, 13 Nov 2006 19:59:53 GMT

Si Christophe Honoré est adoré par les critiques de cinéma, c’est parce qu’il leur donne ce qu’ils aiment : des références. Pour moi, si Dans Paris est un grand film, c’est parce qu’il raconte avec une infinie sensibilité et un sens unique du cinéma, l’histoire intime de relations humaines.

Dans Paris est truffé de référence à la nouvelle vague :

- Godard (la scène d’Alice et Jo aux Invalides)
- Truffaut (le plan d’Alice et Jo au lit)
- Demy (Paul et Anna au téléphone)
- Varda (la ballade de Jo dans Paris).

Mais attention, on peut trouver des références dans tout ce qui distingue l’art français du divertissement : depuis Molière jusqu’à Despleschin. Et, évidemment, chacun d’entre nous peut y retrouver sa référence… Les critiques adorent ce cinéma de références, il leur prouve combien ils sont cultivés, combien ils sont intelligents, il valorise leur égo qui n’en n’a vraiment pas besoin.

Moi, ce qui m’émeut, c’est la référence Un monde sans pitié d’Eric Rochant car Christophe Honoré filme l’Amour entre des hommes, attention pas le désir physique un peu grossier de Brokeback Mountain, mais l’amour filial de l’Hôtel de la plage ou fraternel de Friends, c’est ce qui manque depuis de nombreuses années à la nouvelle vague et à sa critique qui s’est construite sur une lutte intellectualiste laissant de côtés les sentiments, chacun étant persuadé d’avoir raison (regardez les émissions de cinéma à la télévision ou écoutez le masque et la plume, vous verrez que chacun veut argumenter son choix artistique, quel pitié !).

Dans Paris, c’est donc l’histoire d’une relation familiale entre le père (Guy Marchand) et les deux frères (Romain Duris et Louis Garrel). Ces trois personnages émouvants forment un nœud.

Jo (Louis Garrel), le cadet insouciant qui, même s’il fuit son quotidien par ses conquêtes féminines, revient toujours au nid et ne peut pas s’empêcher d’être en contact permanent pour décrire sa journée. Paul (Romain Duris), le puiné dépressif, à l’âme artistique. Il a bien essayé de fuir le nœud familial, mais il y est revenu car « où veux-tu que j’aille ? » comme si l’évidence était ici.

Mirko, le père, qui essaie de resserrer les liens entre les deux frères. Il essaie, avec beaucoup d’amour, de donner à ses deux enfants ce qui leur manque (la joie de vivre pour Paul, le sens des responsabilités pour Jo), il essaie de leur transmettre ses valeurs en tenant compte de leur personnalité.

Comme symbole de leur nœud, il y a l’appartement, trop étroit à trois, mais c’est ainsi qu’on s’y sent bien avec cette chaleur quotidienne, chacun y vit avec l’autre ou seul, chacun y écrit son histoire, c’est ici que chacun a envie de se retrouver, un lieu de racines.

Evidemment, cette histoire d’homme n’en serait pas une sans les femmes, qui essaient d’accrocher un lien à leur histoire. La mère qui ne supporte pas le lieu et qui ne peut pas entrer dans leur monde, Anna (l’amie de Paul) qui est plutôt une figure de la destruction ; Alice, invitée d’un soir, est abandonnée sur le canapé, peut-être pourra-t-elle trouver une place ?

Ce qui permet d’émouvoir Dans Paris, c’est la forme narrative, adapté au cinéma, plus que tout autre.

Dans Paris est un film de l’écrit, fait de dialogues littéraires. Et cela fait du bien de changer du mode d’expression orale américain pour entrer dans un cinéma européen qui vous plonge dans le texte, dans sa tradition. Vous entrez dans le film sur le mode littéraire, comme on entre dans une pièce de théâtre écrite en alexandrins. Ce cinéma n’est plus la vie, mais une œuvre d’art.

Les changements de rythme, un « film-jazz », lent quand il sort de l’appartement, « un film-variété » rapide quand les personnages se retrouvent au centre de l’univers du film. Comme pour les dialogues, la musique est un bijou au service de l’œuvre.

En dernier lieu, il y a le temps, suspendu un 23 décembre 2005 pour le film. Comme dans Un monde sans pitié. Pas de vie quotidienne, juste une photographie. Ici, le cinéma n’est pas un documentaire, le cinéma est un instant de la vie de personnages à un moment donné, dans un lieu donné, une histoire d’hommes comme beaucoup auraient aimé la vivre !

T²

Neverland

Tue, 31 Oct 2006 20:33:18 GMT

Le cinéaste mexicain Guillermo Del Toro, après une escale hollywoodienne, opère un retour aux sources avec son nouvel opus, Le Labyrinthe de Pan et renoue avec la thématique de L'Echine du diable. Les deux films se déroulent pendant la guerre civile qui a fait rage en Espagne du temps de Franco et offrent le point de vue innocent de l'enfance sur la folie humaine. Dans le Labyrinthe de Pan, Ofélia, une fillette, est contrainte de suivre sa mère, enceinte et fraîchement remariée avec un capitaine franquiste, interprété par le terrifiant Sergi Lopez. Refusant son nouveau "père", d'une cruauté sans nom, elle se réfugie dans un univers fantasmagorique pour échapper à la réalité, trop insoutenable pour elle. Elle découvre un labyrinthe niché au creux de la forêt et gardé par une mystérieuse créature, un faune. Celui-ci lui livre une étrange révélation : elle serait la réincarnation d'une princesse déchue. Sa bravoure et le passage de trois épreuves initiatiques lui permettront d'accéder à ce monde enfoui, totalement coupé du monde des humains. Guillermo Del Toro s'inspire de la mythologie grecque pour mettre en images la créature. Le faune caractérise la divinité Pan, pourvue d'une queue et de pieds de bouc, d'un torse d'homme et d'une face velue, surmontée de cornes. Associé aux Satyres qui poursuivait les Nymphes, cet étrange gardien inspire à la fois méfiance et fascination, tant aux yeux du spectateur qu'à ceux de la petite Ofélia.

Cependant, le monstre n'est pas nécessairement celui que l'on croit. Le Capitaine Vidal terrorise son entourage, imposant une barbarie féroce envers les rebelles résistants. Face à cette violence insupportable, Ofélia ne peut que s'échapper, ne serait-ce que mentalement et, telle Alice aux pays des merveilles, elle arpente les dédales du labyrinthe et de ses énigmes pour accéder à un monde meilleur. Seule son imagination, qu'elle puise dans un livre magique, peut la sauver. Personne d'autre qu'elle n'a la capacité de voir le faune ni d'utiliser la craie enchantée, ouvrant des portes imaginaires pour mener à bien ses différentes missions. Del Toro conçoit parfaitement cette dualité réel/imaginaire et nous offre un conte fantastique, finalement assez proche de l'heroic fantasy Princess Bride, en parallèle avec une réalité frontale et souvent inconcevable. Ce qui est supposé nous effrayer, les limbes du labyrinthe et son Cerbère, se pose comme un exutoire d'un monstre bien plus sordide encore, le fascisme, personnifié par le Capitaine Vidal.

Au final, Le Labyrinthe de Pan est à la fois un conte merveilleux, à l'esthétique impeccable, un drame historique et donne matière à une exploration psychanalytique. Reparti bredouille du dernier Festival de Cannes, il défendra les couleurs du Mexique aux prochains Oscars, dans la catégorie Meilleur Film Etranger.

Ripley

Ne vous en faîtes pas, elle va bien...

Fri, 27 Oct 2006 08:52:21 GMT

Elle va très bien, même, l'héroïne de Je vais bien, ne t'en fais pas, Mélanie Laurent. Celle qu'on croit débarquée de nulle part crève l'écran dans le dernier bijou de Philippe Lioret (Mademoiselle, L'Equipier...) aux côtés de Julien Boisselier, Kad Merad et Isabelle Renauld. A 23 ans, elle possède déjà une quinzaine de films à son actif, du très bon comme du très mauvais : en vrac, Un pont entre deux rives avec Gérard Depardieu et Carole Bouquet, Embrassez qui vous voudrez de Michel Blanc, Snowboarder (oops) et De battre mon coeur s'est arrêté de Jacques Audiard. Elle vient même de recevoir le Prix Romy Schneider, consacrant les espoirs du cinéma français, alors vraiment tout va bien pour elle.

Dans Je vais bien..., elle interprète Lili, une jeune fille de 19 ans plutôt bien dans ses baskets. En rentrant de vacances, elle apprend que son frère jumeau a brusquement quitté le domicile familial, suite à une violente dispute avec leur père. Sans nouvelles de lui, elle bascule et faiblit de jour en jour. En partant à sa recherche, elle découvrira bien plus qu'elle n'attendait... Une histoire tour à tour tendre et cruelle, dans laquelle Lili cherche sa place, entre un père qui ne sait pas exprimer ses sentiments et une mère dépassée par les événements. Mélanie Laurent, fragile, gracieuse, illumine tout sur son passage, s'imposant comme une valeur montante du cinéma français. Elle sera prochainement à l'affiche du nouveau film de Cédric Klapisch, Paris, au scénario tenu encore secret avec, entre autres, Juliette Binoche, Albert Dupontel, François Cluzet et Romain Duris. Une jeune fille à suivre de très près...

Ripley